¿Se acerca el fin de la guitarra eléctrica?

De pie en el centro de la mayor tienda de seis cuerdas en los Estados Unidos, casi se puede creer que todo está bien dentro del mundo de la guitarra.

Excepto si, como George Gruhn, usted sabe mejor lo que pasa. El distribuidor de Nashville, de 71 años de edad, ha vendido guitarras a Eric Clapton, Neil Young, Paul McCartney y Taylor Swift. Caminar a través de NAMM con Gruhn es como sombrear a Bill Belichick en la Combinación de Exploración de la NFL. Hay un gran amor por el producto y un gran escepticismo. Lo que otros podrían ver como un auge – la línea aparentemente interminable de fabricantes mostrando instrumentos – Gruhn ve como dos trenes en un curso de colisión.

«Hay más fabricantes ahora que nunca en la historia del instrumento, pero el mercado no está creciendo», dice Gruhn en una voz que revolotea entre un gemido y un gruñido. «No soy todo el día del juicio final, pero esto – esto no es sostenible.»

Los números lo respaldan. En la última década, las ventas de la guitarra eléctrica se han desplomado, de aproximadamente 1,5 millones vendidos anualmente a poco más de 1 millón. Las dos compañías más grandes, Gibson y Fender, están en deuda, y una tercera, PRS Guitars, tuvo que recortar personal y ampliar la producción de guitarras más baratas. En abril, Moody’s rebajó a Guitar Center, el mayor minorista de cadenas, ya que enfrenta una deuda de 1.600 millones de dólares. Y en Sweetwater.com, el minorista en línea, una marca nueva, Fender sin interés se puede tener por tan poco como $ 8 al mes.

Lo que preocupa a Gruhn no es simplemente que las ganancias sean menores. Eso sucede en los negocios. Le preocupa el «por qué» detrás del declive de las ventas. Cuando abrió su tienda hace 46 años, todo el mundo quería ser un dios de la guitarra, inspirado en los hombres que recorrían la escena del concierto, incluyendo a Clapton, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Carlos Santana y Jimmy Page. Ahora los boomers se están retirando, reduciendo su tamaño y ajustándose a los ingresos fijos. Ellos están buscando para arrojar, no añadir a sus colecciones, y la generación más joven no está interveniendo para reemplazarlos.

Gruhn sabe por qué.

«Lo que necesitamos son los héroes de la guitarra», dice.

Se le pregunta sobre Clapton, quien recientemente redujo su colección. Gruhn vendió 29 de sus guitarras.

«Eric Clapton tiene mi edad», dice.

¿Qué tal Cremon Mark Tremonti, Joe Bonamassa, John Mayer? Él sacude la cabeza.

«¿John Mayer?» Pregunta. «No ves a un grupo de niños que emulan a John Mayer y lo escuchan y quieren coger una guitarra por él».

Héroes de la guitarra. Llegaron con la primera ola de rock-and-roll. Chuck Berry paseando por la gran pantalla. El Gibson de Gibson de reverberación de Scotty Moore en los discos de Sun de Elvis. Link Wray, con su moto fresco, volando a través de «Rumble» en 1958.

Ese instrumental no fue una hazaña técnica. Sólo necesitaba cuatro acordes. Pero cuatro acordes fueron suficientes para Jimmy Page.

«Eso era algo que tenía tanta actitud profunda hacia él», dijo Page a Jack White y The Edge en el documental de 2009 «It Might Get Loud».

Los años 60 trajeron una ola de blues blancos – Clapton, Jeff Beck, Keith Richards – así como la teatralidad de Pete Townshend y el revolucionario sónico Hendrix.

McCartney vio a Hendrix jugar en el club de la bolsa O’Nails en Londres en 1967. Él piensa de nuevo en esos días cariñosamente y, en sus sistemas hoy, coge a un Les Paul izquierdos para atascar con «señora astuta» de Hendrix.

«La guitarra eléctrica era nueva y fascinantemente excitante en un período antes de Jimi e inmediatamente después», dijo el ex Beatle con melancolía en una entrevista reciente. «Así que tienes un montón de grandes jugadores emulando a tipos como BB King y Buddy Guy, y tuviste unas pocas generaciones allí».

Se detiene.

«Ahora, es más música electrónica y los niños escuchan de manera diferente», dice McCartney. «No tienen héroes de la guitarra como tú y yo lo hice.»

El Nirvana fue enorme cuando Dan Auerbach, de 38 años, estaba creciendo.

«Y todo el mundo quería una guitarra», dice. «Esto no es sorprendente. Tiene que ver con lo que hay en el Top 20. «

Vernon Reid de Living Colour está de acuerdo pero también habla con un cambio más grande. Recuerda que se inspiró cuando oyó a Santana en la radio. «Había una cultura de tocar la guitarra, y la música era central», agrega Reid, de 58 años. «Un disco saldría y escucharías sobre ese disco, y harías el viaje. Hubo una cierta inversión en tiempo y recursos «.

Lita Ford, de 58 años, recuerda que se acurrucó en el sofá una noche en 1977 para ver Cheap Trick en «Don Kirshner’s Rock Concert.» Ella tenía 19 años y su banda, los Runaways, había tocado conciertos con ellos.

«Era simplemente un mundo diferente», dice Ford. «Había ‘Concierto de Rock de Don Kirshner’, Ed Sullivan, Dick Clark, y ellos tendrían una banda y esperarían toda la semana para ver quién iba a ser esa banda. Y podrías hablar de ello toda la semana con tus amigos: «El sábado por la noche, Deep Purple va a estar en, ¿qué van a jugar?» – y luego todo el mundo está alrededor de la televisión como si estuvieras viendo un partido de fútbol.

En los años 80, cuando Ford se fue solo y se quebró el Top 40, se convirtió en una de las pocas héroes femeninas de guitarra en una lista de reproducción llena de hombres, incluyendo Stevie Ray Vaughan, Joe Satriani y Eddie Van Halen.

La cultura de la guitarra era omnipresente, ya fuera en las salas de cine («Karate Kid» Ralph Macchio superando a Steve Vai en la película de 1986 «Crossroads», Michael J. Fox interpretando un solista en «Back to the Future» y co-protagonizada por Joan Jett El drama de la banda de rock «Light of Day» de 1987) o en MTV y las películas de concierto más antiguas que muestran Who y Led Zeppelin en repeticiones aparentemente interminables.

Pero ya había indicios del cambio por venir, de las evoluciones en la tecnología de la música que eventualmente competirían con la guitarra. En 1979, Portastudio 144 de Tascam llegó al mercado, permitiendo a cualquier persona con un micrófono y un cordón de remiendo para grabar con pistas múltiples. ( Bruce Springsteen usó un Portastudio para «Nebraska» de 1982). En 1981, Oberheim introdujo la máquina de ritmos DMX, revolucionando el hip-hop.

Así que en lugar de Hendrix o Santana, Brad Delson, de Linkin Park, se inspiró en «Raising Hell» de Run-DMC, la saga de crossover lanzada en 1986. Delson, cuya banda recientemente aterrizó en la cima de las listas con un álbum notablemente ligero en la guitarra, Mira el salto de los hombres del hacha a DJs como una cosa mala.

«La música es música», dice. «Estos chicos son todos héroes musicales, cualquier instrumento fresco que toquen. Y hoy, están gravitando hacia los ritmos de programación en un Ableton. No creo que sea menos creativo como tocar bajo. Estoy abierto a la evolución a medida que se desarrolla. El genio musical es genio musical. Simplemente toma diferentes formas. «

Diga eso a Guitar Center, ahora $ 1.6 mil millones en deuda y tan temeroso de publicidad que una portavoz sólo haría disponible a un ejecutivo para una entrevista con una condición: «Él no puede discutir las finanzas o la política bajo ninguna circunstancia.

Richard Ash, el director ejecutivo de Sam Ash, la cadena más grande de tiendas de música de propiedad familiar en el país, no tiene miedo de decir lo obvio.

«Nuestros clientes están envejeciendo, y pronto se irán», dice.

En los últimos tres años, los ingresos anuales de Gibson han caído de 2.100 millones a 1.700 millones de dólares, según datos de la revista Music Trades. La compra de la división de audio de Philips en 2014 por 135 millones de dólares llevó a la deuda – cuánto, la compañía no dirá – y una baja de Moody’s el año pasado. Fender, que tuvo que abandonar una oferta pública en 2012, ha caído de $ 675 millones en ingresos a $ 545 millones. Ha reducido su deuda en los últimos años, pero sigue siendo de 100 millones de dólares.

Y a partir de 2010, la industria fue testigo de un hito que habría sido impensable durante la era del pelo-metal: modelos acústicos comenzaron a vender más electricidad.

Sin embargo, los líderes de Gibson, Fender y PRS dicen que no se han dado por vencido.

«La muerte de la guitarra, parafraseando Mark Twain, es muy exagerada», dice el director ejecutivo de Fender, Andy Mooney.

Él dice que la compañía tiene una estrategia diseñada para alcanzar millennials. La clave, dice Mooney, es conseguir que más principiantes se queden con un instrumento que suelen abandonar dentro de un año. Para ello, en julio la compañía lanzará un servicio basado en suscripción que dice que cambiará la forma en que los nuevos guitarristas aprenden a jugar a través de una serie de herramientas en línea.

Paul Reed Smith, el diseñador de guitarras con sede en Maryland, dice que la industria se está recuperando de la recesión que golpeó en 2009. Señala los ingresos sostenidos de PRS – la compañía dice que están entre $ 42 millones y $ 45 millones al año – y un Aumento de la demanda de guitarras.

«Esta es una mezcla muy complicada de economía versus mercado, demanda versus qué productos están poniendo, en comparación con sus productos tan buenos como solían ser, en comparación con lo que está pasando con Internet, frente a cómo son las grandes tiendas de caja que tratan Con lo que está pasando «, dice Smith. «Pero te diré esto: Pones una guitarra mágica en un estuche y la envías a un distribuidor, se venderá».

Luego está Henry Juszkiewicz, el más grande y más polémico de los magnates de los instrumentos musicales. Cuando él y un socio compraron Gibson en 1986, por sólo $ 5 millones, el gigante de una vez estaba muriendo.

«Fue una empresa fallida que tenía un nombre icónico, pero realmente estaba en sus últimas piernas», dice Ash. «[Juszkiewicz] revivió completamente la línea de Gibson.»

Juszkiewicz, de 64 años, es conocido por ser temperamental, ultracompetitivo y difícil de trabajar. Un antiguo empleado de Gibson recuerda un retiro de la compañía en Las Vegas, marcado por un viaje a un campo de tiro, donde los ejecutivos dispararon un Fender Stratocaster. En los últimos años, Juszkiewicz ha hecho dos grandes impulsos, ambos aparentemente destinados a expandir una empresa cuando un producto en sí – la guitarra – ha mostrado una capacidad limitada para hacer crecer su mercado.

En 2014, adquirió la división de audio de Philips para añadir auriculares, altavoces y grabadoras digitales a la marca Gibson. La idea, dice Juszkiewicz, es la refundición de Gibson de una compañía de guitarra a una compañía de electrónica de consumo.

También hay la línea de auto-ajuste «robot» guitarras que Gibson pasó más de una década y millones de dólares en desarrollo. En 2015, Juszkiewicz hizo el estándar de la característica en la mayoría de las nuevas guitarras. Las ventas cayeron de forma tan dramática, ya que los jugadores y coleccionistas cuestionaron el costo y el valor añadido, que Gibson dijo a los distribuidores que redujeran los precios. La compañía entonces abandonó la fabricación de auto-sintonizadores una característica estándar. Todavía puedes comprarlos, los llaman «G Force», pero ahora son simplemente una opción adicional.

Neal Schon de Journey dice que él batalló con Juszkiewicz cuando él sirvió como consultor a Gibson.

«Yo estaba tratando de ayudar a Henry y lo alejar de las zonas en las que estaba gastando un montón de dinero», dice Schon. «Todo esto electrónico, mierda de robot. Le dije: «Lo que estás haciendo, Roland y otras compañías están a años luz delante de ti, tienes todo este edificio que diseñaste para trabajar en esta guitarra de synth. Lo he jugado. Y simplemente no funciona. Y se negó a creer eso.

Juszkiewicz dice que un día, las guitarras auto-ajustadas serán reconocidas como una gran innovación, comparándolas con el advenimiento del control remoto de televisión. También cree en la compra de Philips. Eventualmente, dice, la adquisición será reconocida como la decisión correcta.

«Todo lo que hacemos es sobre música», dice Juszkiewicz. «No importa si se trata de hacer música con instrumentos o escuchar música con un jugador. Para mí, somos una compañía de música. Eso es lo que quiero ser. Y quiero ser el número uno. Y, ya sabes, nadie más parece estar solicitando el trabajo ahora mismo. «

Si hay una pregunta singular en la industria de la guitarra, no es diferente de lo que impulsa a Apple. ¿Cómo usted consigue el producto en las manos de un adolescente? Y una vez que está allí, ¿cómo conseguir que se enamoran de ella?

Fender está intentando con lecciones y un montón de herramientas en línea (Fender Tune, Fender Tone, Fender Riffstation). The Music Experience, una compañía con sede en Florida, ha contratado a PRS, Fender, Gibson y otras compañías para establecer carpas en festivales para que la gente pruebe las guitarras. También hay Escuela de Rock, que tiene casi 200 sucursales en todo el país.

El viernes por la noche en Watertown, Massachussets, la práctica es sólo empezar.

Joe Pessia dirige el tablero y entrena a la banda. Tiene 47 años, un guitarrista que una vez tocó en una banda con Nuno Bettencourt de Extreme y que ha trabajado en School of Rock desde 2008.

Observando la práctica, es fácil entender por qué.

Con la presidencia de Pessia, el grupo escaparate de la escuela explotó a través de tres canciones lanzadas décadas antes de que ninguno de ellos naciera.

El amor de Bye Bye de los coches combina los teclados peculiares, new-wave y los acordes de la barra. Journey’s «Stone in Love» es un clásico de la arena de los años 80 puntuado por la línea de guitarra melódica de Schon. Matt Martin, un guitarrista de 17 años que llevaba zapatillas blancas, pantalones vaqueros y una camiseta House of Blues, toma la delantera en esto.

El otro Stratocaster de la venda es jugado por Mena Lemos, estudiante de segundo año de 15 años. Ella asume Rush «El Espíritu de la Radio».

Mientras juegan, los adolescentes bailan, se ríen y trabajan para obtener las canciones correctas. Sus padres también son felices. Arezou Lemos, la madre de Mena, ve a una hija que es confidente y tiene dos grupos de amigos – los niños en la Escuela de Rock y sus compañeros en Newton South High School.

«Hay un montón de momentos no fáciles que pasan como adolescentes», dice, «y tener música en su vida, ha sido un salvador».

Julie Martin dice que su hijo Matt era un chico tranquilo que jugaba en la Liga Pequeña, pero nunca conectado con los deportes. Ella y su marido le compraron su primera guitarra cuando tenía 6 años.

«Fue inmediato», dice. Podría jugar de inmediato. Le dio confianza, en el inmediato, y creo que a largo plazo le ayuda en todos los aspectos de su vida «.

Recuerda su propia infancia en la clase obrera de Boston.

«Sé exactamente lo que podría estar haciendo», dice Martin. «Eso entra en mi mente. Tenemos tanta suerte de haber encontrado School of Rock. Está allí el jueves, el viernes y el sábado todas las semanas, todo el año.

Prog-metal de Rush no es para principiantes, con sus cambios de tiempo y giro reggae.

«Nunca han jugado esto antes», dice Pessia, volviéndose a susurrar con asombro. «La primera vez.»

Entonces, ¿quiénes son estos niños? ¿El futuro? ¿Una aberración?

Es difícil saberlo. Pero Matt Martin no necesitó pensar mucho acerca de por qué quería jugar un Strat cuando era niño.

«Eric Clapton», dice. Es mi número uno.

Para Phillip McKnight, guitarrista de 42 años y ex dueño de una tienda de música en Arizona, la difusión de School of Rock no es sorprendente.

Él talló el espacio para las lecciones de la guitarra poco después de abrir su tienda de la música en un centro comercial de la tira en 2005. La línea lateral comenzó a crecer, y con el tiempo, él fundó la academia de la música de McKnight. A medida que crecía, de dos habitaciones a ocho, de 25 estudiantes a 250, McKnight notó un desarrollo curioso.

Alrededor de 2012, la mezcla de género de su base de estudiantes cambió dramáticamente. Las ocho a 12 niñas que tomaban lecciones saltaron a 27 a 59 a 119, superando a veces a los muchachos. ¿Por qué? Les preguntó.

Taylor Swift.

Nadie confundiría las chuletas de la estrella del pop con Bonnie Raitt. Pero ella toca una guitarra.

Andy Mooney, CEO de Fender, llama a Swift «el guitarrista más influyente de los últimos años».

«No creo que las chicas jóvenes miraran a Taylor y dijeran:» Estoy muy impresionada por la manera en que toca los arpegios mayores de G «. «Dice Mooney. «Les gustaba cómo se veía, y querían emularla».

Cuando McKnight lanzó una serie de videos en YouTube, hizo un episodio llamado «¿Es Taylor Swift el próximo Eddie Van Halen?» No estaba hablando de técnica. Hablaba de inspirar a los jugadores más jóvenes. La serie de videos, al final, creció más rápido que las ventas o lecciones de guitarra. A principios de este año, McKnight cerró su tienda.

¿Los videos? Seguirá haciéndolos. Están ganando dinero.